Manilla Road - The Blessed Curse / After The Muse
Manilla Road puede ser fácilmente una de las bandas de Rock/Metal más viejas todavía en actividad. Hay quien sitúa su creación por el año 1977 y sin discusión estaban establecidos en 1980 cuando presentan su primer disco "Invasion", el cual yo recuerdo haber tenido en acetato. MR es sin duda el hijo predilecto de de Mark 'The Shark' Shelton, quien es su cantante y guitarrista y quien imprime su característica voz al ensamble... no creo exagerado decir que por eso la banda es amada o odiada, sin casi términos medios y puede que con cierta razón.
La voz de Shelton es enigmática, ciertamente muy groovy. En lo particular no he sido nunca un amante específico de su trabajo, pero no por ello he dejado de disfrutar algunas cosas, especialmente aquellos primeros discos donde el proto Metal Progresivo que planteaban sonaba novedoso y la preponderancia de la guitarra, con ese sonido eterno que también distingue el trabajo de la banda, lograba hipnotizar... bueno no voy a entrar tampoco a comentar los casi veinte discos que tienen en su haber.
Mejor hablamos de "The Blessed Curse / After The Muse". El disco doble es bueno, interesante, nuevamente mezcla Rock y Metal y usa a todo su largo los elementos psicodélicos que la voz de su líder imprime, la batería es excepcionalmente precisa y diversa, siendo posiblemente el más complejo e interesante de los elementos instrumentales del trabajo, junto con la guitarra que -como era de esperarse- es la otra protagonista. Todo enmarcado en el estilo que los distingue, el cual diría que tiende a ser Heavy, con elementos Epic y NWOBHM, grabado con un cierto nivel de eco que pareciera por momentos que se grabó en una cueva, pero es sólo un efecto del que gusta usar (¿abusar?) la banda.
Los temas del disco se sienten bien desarrollados, pero pocos lograron realmente atraparme, aunque tiempo para ello ya podría haber tenido, ya que "The Blessed Curse / After The Muse" se extiende por casi hora y media, lo que me parece que excede lo que era necesario para la trasmisión del mensaje... pero claro, es un trabajo doble. Ciertamente hacia el final se me hizo cansador, especialmente a la altura del tema Reach y llegué a estar tentado a pararlo para retomarlo luego y aunque no lo hice.... quedé agotado lo reconozco, esa voz y perspectiva sonora de la guitarra requiere cierta aceptación que yo no tengo tanto.
El primer disco tiene la interesante particularidad de ser un trabajo conceptual que narra las virtudes y vicisitudes de un rey sumerio llamado Gilgamesh a través de diez canciones bastante homogéneas e interesantes, en tanto no te agoten en su estilo. El ritmo de los temas es el mejor conductor para dejarse llevar, realmente hipnótico en algunos momentos.
El segundo disco, o la segunda parte del trabajo, es más mayormente instrumental, bastante más suave que el primero, posiblemente mejor en lo que mi parecer se trata, con una guitarra acústica dominante en algunos sectores que pareció interesante, diría que con reminiscencias del sonido Rock de una época pasada, a la Emerson, Lake & Palmer, destacando indudablemente el tema Life Goes On Life Goes On Life Goes On, el mejor de toda la grabación, así como el remake de su viejísimo tema All Hallows Eve, el cual se extiende por quince minutos.
Está interesante el trabajo, dirigido sin duda a su base específica de seguidores, quienes seguramente se sentirán a sus anchas, aunque no deja de tener elementos que podrán interesar a oidores menos versados en las artes de esta legendaria banda. Se puede oir y disfrutar, aunque sugiero hacer pausa entre disco y disco para evitar el atragantamiento.
Fuente: ELO
NOVIEMBRE 2014
Helevorn - Compassion Forlorn
Este año -y todos los años- hay pocos discos de Doom, realmente pocos, muchos menos de los que debían haber. Para muestra no creo equivocarme contando los que aquí -humildemente- se han reseñado hasta la primera quincena de octubre: dos. Y ambos excelentes... pero eso es lo que digo y que es a su vez sorprendente, ya que esa paradoja envuelve en sí misma la respuesta: No hay muchos discos de Doom porque no hay muchos buenos músicos, porque -argumentando de forma circular- sólo buenos músicos se dedican al Doom.
Estos españoles), perfectos e ilustres desconocidos en mi limitada visión del Metal, los que se disparen este discazo, es merecedor de atención, ya que "Compassion Forlom" de la banda de las Islas Baleares, el sexteto Helevorn, es una prueba palmaria de que un buen disco de Doom generalmente es mejor que casi cualquier otro buen disco de cualquier otra cosa. Y es que no hace falta sino un buen repaso para caer en cuenta que estamos ante uno de esos trabajos destacados del año, sea cualquiera que sea el ritmo en el que se escuche el Metal de elección.
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La intensidad, musicalidad, atmósfera, songwritting e instrumentalizacion de este, el tercer disco que entrega la banda, conforma un trabajo redondo y seguramente será reconocido en temas como Delusive Eyes, el mejor del disco y nominada a Canción del Año de El Lado Oscuro - Metal Crítica, The Inner Crumble, Unified y Reasons To Die Last, como una excelente entrega, la cual, con sus fuertes guitarras, melodía suave pero contenida, sin excesos melosos del sintetizador, un excelente growl y mejores coros, es una contribución al necesitado espacio Doom.
Si de influencias se tratara diría que en Helevorn se perciben sonidos de grupos como Candlemass y Saturnus, pero el propio carácter de la banda está claramente impreso en sus elementos Dark. Sin embargo sigue siendo Doom, puro y duro, en el que los elementos atmosféricos, críticos para que el trabajo no se pierda en el aturdimiento de un ritmo tan específico, se han desarrollado de forma magistral, junto con ese sentimiento de tristeza sobrecogedora que, de forma notable, logran transmitir y que es otro de los elementos con los que enriquecen el disco.
En general "Compassion Forlorn" me complació por ser especialmente potente, bien realizado y producido, a pesar de algún tema menor, como I Am To Blame. Mención aparte voy a hacer del tema Els Dies Tranquils, cantado parcialmente en catalán... la cual me pareció muy buena, pero se sentía como que no pertenecía al disco... me sonó a bonus... bueno... no me hagan caso, o si, quizás algún día averigüe si estoy en lo cierto y les cuento. Recomiendo -finalmente- disfrutarlo como yo lo hice: una noche de fin de semana, con las luces apagadas, navegando por la red y sumido en el sonido. Les auguro un rato de buen Metal, al que habrá que volver y seguirle la pista a Helevorn en el futuro.
Fuente: Elo
OCTUBRE 2014
Onheil - Storm Is Coming
No voy a caer en el análisis de canción por canción, que generalmente me parece un contrasentido en este espacio donde, normalmente, he perseguido comentar al respecto de la sensación general que me produce un trabajo y esto porque no creo en 'one hit wonders': o una banda es integralmente buena o es integralmente mala u olvidable y así se refleja en su trabajo. En el caso de Onheil no puedo decir con seguridad porque no se ha escuchado nada de ellos en el ambiente y pueden ser una de las dos cosas, aunque visto lo visto (u oído lo oído, mejor) lo que es cierto es que, en esta circunstancia, "Storm Is Coming" en un disco emocionante, poderoso, agresivo e inspirador, que debe incluirse en la rotación de cualquiera que se precie de apreciar esta manera de hacer arte.
Las guitarras, el ritmo, los cambios, la melodía, la épica y la atmósfera en la que se desenvuelve el mismo son el marco ideal para que una voz tan dura y oscura como la de su líder, Amok, se deleiten en rabia y transmisión de fuerza, convirtiendo los cuarenta y cuatro minutos y diez canciones de "Storm Is Coming" en un disco con pocos o ningún error discernible, un trabajo de alta factura y capaz de satisfacer mi gusto... pobre o rico, pero mío y el que a veces languidece de percibir cosas así.
Con una producción respaldada por el sello de pocas pero intensas bandas, como es Cyclone Records, y un sonido excelso, este trabajo tiene variedad suficiente, duración suficiente, música suficiente, agresividad suficiente y emoción suficiente para llenarle la copa a cualquiera. Si hay quien hubiera preferido algo menos de melodía, podré entenderlo, pero no creo que, en el marco de lo hoy se oye, nadie pueda quedar indiferente. Este es un disco inesperado y que casi roza el cielo con las manos.
Fuente: ELO
SEPTIEMBRE 2014
ACCEPT - BLIND RAGE (2014)
En esta ocasión se han decantado un poco mas hacia lo melódico, sin faltar los temas potentes y veloces, hay un claro sabor ochentero en varios de los cortes mas hard rockeros, sin duda, todo un grupazo en forma los Accept, tal y como han demostrado recientemente en Wacken.
Desde el ataque rápido y bravo con Stampede donde Wolf desata riffs criminales y un solo realmente espectacular, pasando por el cabalgar de “200 Years” de sabor Russian Roulette, la trepidante Trail of Tears que conjuga fuerza con melodía o el disparo final que supone Final Journey con punteos impresionantes y un tramo final neoclásico inspirado en Edvard Grieg para Peer Gynt, el disco esta muy trabajado y exhibe unas tablas y madurez fuera de duda. Como curiosidad, deciros que hay un riff clavado en esta y en “Stampede”.
Consistentes piezas como Dying Breed con inicio riffero y recordatorio a los grandes grupos de rock, con un significativo We salute You dedicado a los rockeros australianos AC/DC, el rollo ochentero de riffeo entrecortado a lo Up to the limit del Metal Heart en Dark side of my heart que aunque me hubiera gustado mas fuerza y mala leche en los coros, es bien guapa y muestra espíritu nostálgico.
Mas épicas se muestran Fall of the Empire y From the Ashes We Rise con detalles de calidad, aunque éstas en concreto no me terminan de convencer, las veo algo típicas al igual que la melosa Wanna Be Free que solo despierta en su parte central con un guitarrazo brutal de Hoffmann seguido de buen solo, el estribillo es muy light y acaramelado.
La que me despierta el lado salvaje y me muestra los Accept mas heavys de la era Udo es Bloodbath Mastermind todo un pelotazo revienta amplis que sin remedio te lleva a romper tu cuello y astar tus manos! Metal en vena y estado puro, con otro punteo estratosférico de Wolf.
The Curse es la balada del disco, sin ser maravillosa mantiene bien el nivel y relaja las pulsaciones. En la edición japonesa se incluye Thrown to the wolves, un cañero corte bien heavy que gustará a los seguidores del grupo.
Pese a ser mas tranquilo en tramos que los dos anteriores, los teutones han cuajado un notable cd, del que van a poder lucir 3 o 4 temas excelentes en sus próximos directos, sin duda, están en una segunda juventud Wolf y compañía, este último demostrando su nivelazo de guitar hero con total desvergüenza.
TRACKLIST:
1.Stampede
2.Dying Breed
3.Dark Side Of My Heart
4.Fall Of The Empire
5.Trail Of Tears
6.Wanna Be Free
7.200 Years
8.Bloodbath Mastermind
9.From The Ashes We Rise
10.The Curse
11.Final Journey
12. Thrown to the wolves (bonus Japón)
MIEMBROS:
Mark Tornillo: Voz
Herman Frank: Guitarra
Wolf Hoffmann: Guitarra
Peter Baltes: Bajo
Stefan Schwarzmann: Batería
Fuente: DdM
AGOSTO 2014
Hoth - Oathbreaker
Aunque no ocurrió hace mucho tiempo, ni tampoco en una lejana galaxia, lo cierto es que sólo a veces cuando alguna banda aparece y hace algo, no necesariamente estruendoso, puede que a penas un ligero cambio de formas, eso sea suficiente para destacarse. En el caso del dúo norteamericano oriundo de Seattle, formado por Eric Peters y David Dees, llamado Hoth, se ha dado la feliz conjunción astral, a veces tan difícil de percibir en un universo plagado de bandas que van y vienen. Esta situación, posiblemente en un trabajo sólo de estudio y bastante friki en lo conceptual, como dirían en España, presenta su segundo disco, llamado "Oathbreaker".
Hoth es una banda de Melodic Black/Death, de alto componente instrumental y suficiente atmósfera, que con su segundo disco -sin embargo el primero que llega a mis manos- añade un gran elemento al género: un inusual y excelente concepto que viene unido a un interesante uso de las guitarras acústicas y el piano, que dejando que a veces suenen solos, ayudan a redondear un trabajo cuyo centro está en la musicalidad y un gran songwritting, pero que no deja de lado bastante crudeza e intensidad vocal -siendo este, sin embargo, el menos logrado de sus elementos-. "Oathbreaker" aunque es algo exagerado en sus elementos melódicos, tienen un fuerte sentido del mensaje, el cual compite con cualquiera de los mejores representantes del ambiente.
El concepto de Hoth se desarrolla en torno a la iconografía y mitología de la serie 'Star Wars'. Si se fijan bien el mismísimo logo de la banda -cuyo nombre está tomado del planeta helado del inicio de 'El Imperio Contrataca'- está elaborado sobre las formas de un 'Tie Fighter' (las naves del Imperio para más señas). Todo esto va unido a que las letras de las canciones están indudablemente imbuidas de la influencia de La Fuerza... las del Lado Oscuro por supuesto y cuentan la historia de un personaje que desde su nacimiento se ve dirigido por situaciones que parecen llevarlo hacia una zona oscura y poderosa (nooooo me digan que no suponen quien podría ser el protagonista porque nooooo me lo creo). Por supuesto y aunque ello, en si mismo, no sería necesariamente la fórmula para un buen disco, en este caso si lo es, muy bueno... 'estos no son los músicos que están buscando'... XD
A Blighetd Hope, Serptentine Whisperes, Acolyte Of The Tenebrous Night, The Unholy Conception y así todas las canciones del disco tiene algo que ofrecer, sea su crudeza o su instrumentalidad, la cual se reparte entre el uso de sonidos acústicos y otros de fuerte distorsión, sin embargo todos orientados hacia zonas muy melodiosas, pero con fuerza, crudeza, cierta emoción en las voces y algunos toques de guitarras rampantes bastante bien logrados. Este dúo, de instrumentos ejecutados con buen nivel de eficiencia durante canciones generalmente largas, que promedian los seis minutos, pero pueden llegar a los nueve, como en su excelente tema de cierre, Despair, me parece que pueden estar presentando el mejor disco concepto del año. No queda duda, en cualquier caso, que su compromiso con el mensaje es encomiable.
Termino sugiriendo "Oathbreaker" a todos aquellos a los que les guste el Black con elementos de impacto histriónico y en la zona media de la crudeza, ya que sus elementos melódicos lo buscan hacer más asequible para el publico menos dado los tragos amargos. Muy bien hecho, sin canciones de relleno y de grabación inusualmente agradable, gracias a un Rango Dinámico que casi llega a 10dB, me parece el candidato natural a ser considerado el Álbum Conceptual de 2014.
FUENTE: LO
JULIO 2014
MEKONG DELTA – IN A MIRROR DARKLY
Otra de las grandes injusticias de la música pesada (me da una idea para hacer otra lista). Junto con WATCHTOWER Y DEATH pasando por ATHEIST y CYNIC, los alemanes MEKONG DELTA fueron de esas bandas que no se conformaron con incitar solamente al pogo y a ponerse un chaleco de Jean con parches de grupos Thrash, sino a deleitar al oyente con grandes demostraciones técnicas aprendidas de los grupos de rock progresivo de los '70. Por desgracia (al igual que le ocurrió a CRIMSON GLORY), los alemanes quedaron muy excluidos del denominado ¨Thrash metal progresivo¨, que desarrollaron en discos como ¨Kalleisdoscope¨ (1992), por citar un ejemplo, donde mezclan la potencia thrasher con la esencia de la música clásica y los yeites del jazz fusión, no siempre conviene llegar temprano a una fiesta. Por sus filas pasaron músicos como Jorg Michael (Runnin Wild, Stratovarius) Uli Kusch (Holy Moses, Gamma Ray, Helloween, Masterplan y Ride The Sky) y Peavy Wagner (Rage) que obtuvieron mucho mas reconocimiento que Mekong Delta.
Si bien tuvieron una carrera discontinua, se las arreglaron muy bien para seguir editando discos y ofrecer shows, aunque de manera muy limitada, el sucesor del muy aclamado por sus fans ¨Wanderer of the Edge of time¨, se presenta como prácticamente una continuación de aquel Thrash técnico e intrincadísimo que profesaron allá por los '80 y principios de los '90 aunque ahora la voz de Martin Lemar los acerca a un formato mas clásico de metal, desde la inicial Introduction y su guitarra española, seguida por la locura Thrash enrevesada de Ouverture o The armageddon machine, la tensa calma de The silver in gods eye, el genial instrumental a pura técnica y progresivismo de Inside the insider of the inside y el final con la furiosa Mutant messiah, quizás la Heavy del disco, lo cierra de manera muy acertada.
Quizás no es el disco para iniciarse en el enrevesado, intrincado y complejo universo de MEKONG DELTA, pero les aseguro que si o si merece ser explorado.
Mekong Delta:
Martin Lemar: voz
Erik Adam H Grosch: guitarra
Benedikt Zimniak: guitarra
Ralph Hubert: bajo
Alex Landerburg: bateria
Tracklist:
01 Introduction
02 Ouverture
03 The armageddon machine
04 The silver in gords eye
05 Janus
06 Inside the insider of the inside
07 Hindsight bias
08 Mutant messiah
JUNIO 2014
Agalloch - "The Serpent & The Sphere"
'The Serpent & The Sphere' es el quinto álbum de estudio de Agalloch publicado el 13 de mayo del 2014 en Norteamérica (Profound Lore Records) y el 19 de mayo en Europa (Eisenwald Tonschmiede) y Japón (Daymare Recordings). Grabado en los Cloud City Studios en Portland, Oregon. Los interludio acústicos fueron grabados por Nathanaël Larochette de la banda canadiense de Neo Folk Musk Ox.
País: USA (Portland, Oregon)
Género: Atmospheric Folk/Doom Metal
Album: The Serpent & The Sphere
Año: 2014
Banda: Don Anderson - Guitarra, Piano, Coros
John Haughm - Guitarra, Voz, Batería
Aesop Dekker - Batería
Jason William Walton - Bajo
WEB
MAYO 2014
Layment - Of Gods And Goats (2014)
De lejos esta banda de Heavy/Power alemana con influencias Thrash cuenta con un arma secreta en su cantante, Marian "Marosh" Schmidt, el cual tiene una voz rasposa y gruesa, la cual parece un poco una mezcla entre Enrique Bunbury de Heroes Del Silencio y Chuck Billy de Testament, pero con mucha personalidad propia (dije 'un poco', antes de que los sentimientos afloren en aquellos de dermis sensible)... la comparación es sólo a los efectos de ilustrar mi percepción, en todo caso sugiero oír el disco antes de sacar las armas de destrucción masiva en mi contra, aunque igual, no me importa tanto.
Este excelente cantante provee un mejor marco para que la banda, de seis componentes, dos guitarras, bajo, teclados y batería, desarrollen un trabajo rápido, melódico, si se quiere hasta algo minimalista -a pesar de su cantidad de miembros-, y sumamente orientado a los coros y el riff, con deseos de que cada canción quede grabada en la cabeza de los oyentes.
Sin esperar mucho de estos ilustres desconocidos (para mi) y más bien algo predispuesto a un disco Black, gracias al título del trabajo y la portada, de pronto me conseguí moviendo melódicamente la cabeza hacia arriba y hacia abajo, todo el recorrido del álbum, hasta algo incrédulo por lo redondo y completo que me sonaron sus cuarenta y siete minutos. No hay como mantener las expectativas bajas para sorprenderse, incluso ya dentro del mismo disco, luego de haber pasado unos buenos minutos escuchando las primeras cinco canciones, indiscutiblemente Heavy, con un sonido Thrash, que salió de la nada pero no es improvisado y que me golpeó con fuerza en la canción Rejected Son, la cual junto con temas como I Am Kholossos, Of Goats And Goats, y la mejor del disco, This Covenant.
Las guitarras, las melodías y una batería ocupada en darle cuerpo al disco, junto con la mencionada voz poderosa de su cantante líder me sugieren que, si llegan a oídos de la gente ahí afuera, este va a ser uno de los discos sorpresa del año y va a ocupar el tiempo de más de uno. Su mezcla de sonidos épicos, poderosos, melódicos e intensos, junto con su calidad instrumental, entrega del mensaje y elementos diferenciantes, sin ser necesariamente los creadores de un nuevo género, me sugieren una mezcla ganadora. Incluso la producción está más que bien para una banda que elaboró este disco bajo su propio nombre, sin apoyo de una disquera... lo que les auguro que en el próximo disco será diferente.
Cierro diciendo que Layment se define a sí mismos como 'la banda sonora para tomarse unas cervezas y la verdad es que creo que puede ser una de las mejores maneras de definir un disco, en mucho tiempo. Estoy tan sorprendido por lo que disco, canciones, banda y sorpresa, reciben mi aprobación.
ELO
ABRIL 2014
Aenaon - "Extance" (Symphonic Black / Avant-Garde / Technical / Jazz)
El comentario viene a colación porque en mi recorrido virtual antes de comenzar a escribir del nuevo álbum de los griegos de Aenaon, "Extance", me he conseguido una disparidad tal de opiniones que, o estamos locos, o nuestro ego es tan fuerte que morirá veinticuatro horas después que nuestro cuerpo: no es posible, sin hacer juicios de valor 'a priori', que este disco sea lo mejor y lo peor de la escena de 2014, a veces incluso al mismo tiempo. Bueno, esa también es una de las partes que me divierte de esto, el Metal da para todo y al final nos acoge a todos y siempre está ahí para nosotros, sin reprocharnos nuestras propias carencias.... en todo caso voy a hacer lo mismo que supongo que acabo de criticar y voy a dar mi propia opinión, porque para eso cree esta vaina, ¿o no? XD
Aenaon no es la típica banda de Black, pertenece y adereza su sonido con una fuerte influencia Avant Garde y experimental, pero y he aquí una de las cosas que más me atrajo, evita en sus composiciones esos niveles psicóticos que llegan a hacer del trabajo una cosa inentendible. Igualmente muestran un nivel de destreza a nivel Technical, con muchas referencias al Jazz que pueden impactar en algunos momentos. Sin embargo, no son fáciles de escuchar y definitivamente no son para novatos, ya que su carga caótica y de múltiples capas de sonido los llevan a un nivel poco convencional.
En "Extance" se combina Black puro con elementos modernos y hasta regalos Core, como en Closer To Scaffold, una de las mejores canciones del disco, desde mi perspectiva -la verdad no encontré ninguna que no me dejara de llamar la atención-, aunque a veces alguna pueda sonar similar a otra.
Para finalizar diré que Aenaon es una banda que me pareció intrigante, capaz como pocos grupos de trabajar en un plano de existencia especial estilos tan opuestos como el Black, el Jazz, el Symphonic y el Avant-Garde, en unión seguramente profana. Canciones como The First Art, Land Of No Water, Algernon's Decadence y el 'magnus opus' Palindrome, con la que cierran en más de doce minutos de sonido puro y envolvente, son una representación perfecta de lo que esta banda se trata y no deben dejar de ser disfrutadas, no tanto por quien quiera, como por quien pueda y me perdonan lo metafísico.
MARZO 2014
Artista: DE LA TIERRA
Álbum: DE LA TIERRA
Estilo: Groove Metal
DE LA TIERRA surge como proyecto casi una década atrás en base a la amistad que Andrés Giménez (A.N.I.M.A.L., D-Mente) posee con Alex González (Maná) pero recién llegaría a tomar forma y concretarse en 2013. Andrés por su parte trae a Sr. Flavio (Sr. Flavio, Los Fabulosos Cadillacs) al bajo y Alex contacta a Andreas Kisser (Sepultura) para una segunda guitarra, a los cuales también los vincula un lazo de amistad.
Lo que me atrajo de esta agrupación es más que nada los orígenes musicales de sus integrantes sobre todo Alex que proviene de una banda de pop/rock como Manà y Flavio de Los Cadillacs que son una amalgama que va desde algo de rock, ska y una variedad de ritmos latinos increíbles. Por el otro lado estan Kisser quien no necesita presentacion y Andrés Gimenez fundador de los extintos A.N.I.M.A.L., banda fundamental del metal alternativo argentino de mitad de los 90’s herederos directos del sonido de SEPULTURA quien actualmente se encuentra en D-mente. Tal es esa herencia, que Max Cavalera produciría su álbum Poder Latino (1998), quien también diría en su momento que eran los Sepultura Argentinos.
Estando presente el nombre de estos dos violeros en la banda, uno ya podía imaginarse totalmente porque caminos correría el sonido y con solo escuchar el disco una sola vez se puede reconocer a SEPULTURA desde muy lejos. Y si a esto le sumamos el particular estilo de voz que posee Giménez por ende tenemos un hibrido Sepultura/A.N.I.M.A.L. bajo la etiqueta de metal latino facturando un groove metal sin demasiadas vueltas. Su estilo era predecible pero no era lo que más me importaba, ya que contando con cuatro músicos de una trayectoria y un currículm tan importante esperaba un disco solido y contundente que con solo darle play desparramara mis sesos por el piso……pero no fue así. Me encontré con un disco chato, lineal, carente de fuerza, donde las guitarras descafeinadas ya son familiares a sus respectivas bandas. La forma de cantar de Andres es muy similar a cuando estaba A.N.I.M.A.L. con la diferencia que aquí sus rugidos, guturales y las diversas formas de vocalizar a las cual recurre no impactan como antes. Algo que me gusta de él es su forma poderosa y agresiva al cantar pasando desapercibida en todo el disco. Alex era de quien mas esperaba, después de escucharlo sacudir con gusto su instrumento en Sueños Líquidos (1997) por nombrar algún disco de su banda (por cierto, excelente disco), al menos aquí su desempeño deja mucho que desear desplegando una técnica simple, sin brillo y fuerza. No me mal interpreten, su labor no es mala pero si la comparamos con su trabajo en Manà, esta muy por debajo, creo que Martin Carrizo le pasa el trapo en cualquiera de los discos de A.N.I.M.A.L. Y Flavio, menos todavía, su bajo suena potente generando un muro de sonido pero carente de la habilidad que él suele exponer en los Cadillacs. No me gusta entrar en comparaciones pero deberìa escuchar un poco a Corvata Corvalàn y aprender como se toca el bajo en este estilo.
El concepto de la portada no tengo conocimiento de quien fue la idea, pero guarda cierta similitud con El Nuevo Camino del Hombre (1996) de A.N.I.M.A.L. y con No Es El Premio Ganar Sin Saber Lo Que Fue Perder (2011) de D-MENTE por su obsesión con los brazos de los miembros de la banda. Y un logo tribal en el centro que esconde rasgos muy marcados del viejo logo de SEPULTURA.
Comenzamos a navegar por los surcos de este disco y lo primeros que se nos aparece es una intro de nombre “D.L.T.” lento, con cierto halo de misterio y un tanto monótono desemboca en “Somos Uno” con su base ritmica entrecortada y el doble bombo con un buen ritmo. Riff grueso con mucha distorsiòn suenan dentro de todo bien, pero al llegar al estribillo mas melòdico la fuerza no sube, se desinfla el corte y lo que menos me gusta es cuando Andres canta …”firme al quitarrrr” con esa extraña modulacion y la rara distorsion de la guitrarra al final menos todavia. El trabajo de Alex me gustó puntualmente aquí, no es para levantarse y aplaudir, pero deberia haber sido así y superior en todo el álbum.
“Rostros” se asoma con un rugido inmenso abriendo paso a una base rítmica veloz, Giménez haciendo uso de una especie de gutural enfurecido que no logra asustar a nadie. La bateria me suena hueca y blanda acompañada de un riff con el sello indiscutible de Kisser. Todo se derrumba más en el estribillo donde más se desinfla el corte. El único momento que puedo destacar es el del solo hacia el final, dignamente acompañado por Alex que logra golpear con ganas los parches.
Ritmos tribales, percusion, riff y el solo en detrminados momentos recuerdan vagamente a “Ratamahatta” y “Roots Bloody Roots” dando forma a “San Asesino”. Lo único que me gusta de este track el trabajo de Sr. Flavio muy contundente logrando sobresalir por encima del resto de los instrumentos y el pequeño fragmento cantado en brasilero. Este es uno de los tracks más potentes del disco, pero ese sabor a viejas gloria que antes mencioné le resta puntos.
“Detonar” comienza nuevamente con Andrés rugiendo como poseído pero que desentona con el fondo instrumental. Rítmica muy entrecortada que se nutre del nu metal con el bajo y los parches tomando cierto protagonismo, pero le falta esa rabia, donde por más que Andrés grite y gruña no logra contagiar su adrenalina. Antes de llegar al estribillo las revoluciones aumentan pero en el mismo otra vez todo se viene abajo como castillo de naipes.
Elegido como corte promocional del disco con video clip incluido, “Maldita Historia” es el más flojo del album con un comienzo muy similar a “Oyeme” de D-MENTE. La bateria suena sin fuerza y como desconectada del resto de la banda, Gimenez otra vez recurre a ese pseudo gutural y a ese tono de voz grave que no me gusta para nada. Riff simplon, repetitivo y el estribillo uno más del montòn me dejan pidiendo mas de estos 4 grandes músicos.
“Fuerza” es plano como una hoja de papel, que comienza con un horrible efecto en la voz. El tema se mueve por una linea recta de principio a fin, con un estribillo soso, unos coros numetaleros y gemidos disperso a lo largo de su reciorrido que dan la sensación de vómito más que un gutural. Lo destacable es el solo final realmente es muy bueno con un excelente acompañamiento de la batería.
“Chaman de Manaus” mezclando español con brasilero es más de lo mismo. Riff grave que transpira SEPULTURA a diestra y siniestra, tiempo lento y muy ritmico, gruñidos y más gruñidos no hacen más que aburrir y tentarme a saltar la pista unas cuantas veces. Cero inspiracion y originalidad.
Con “Reducidor De Cabezas” tampoco entiendo que quisieron lograr, la batería me suena tan descolocada, cambios de ritmo que desorientan, el riff mas que sostener con fuerza desde el fondo al corte se siente como una pelota de sonido que por momento satura y molesta. Tampoco sigo si entender la forma de cantar elegida por Andrés cambiando un par de veces como lo hace aquí.
“Corran” sige sin aportarle puntos al álbum, más de lo mismo otra vez donde lo único que lo salva de la perdicion total al corte es el trabajo de Alex que aquí si me gusto y mucho, tanto por la fuerza como por la calidad en su ejecución.
Y para finalizar “Cosmonauta Quechua” arranca con una brutaldescarga de thrash/death si se puede llamar así lo que quisieron alcanzar intercalando con segmentos más groove. Con la batería a mil revoluciones por segundo en las partes mas violentas Alex Gonzalez me vuelve a sorprender y para bien al escucharlo castigar su kit de forma brutal y técnica. Al principio el track no me convenció demasiado pero luego de escucharlo repetidas veces me gusta y me parece un buen final para un disco que camina por el filo de la navaja todo el tiempo. Si se hubiesen encaminado por el estilo de este track quizás tendríamos un álbum totalmente diferente.
Lamentablemente DE LA TIERRA al menos a mí me dejo un amargo sabor de boca, más que nada desde el punto de las composiciones. A estas alturas me hubiese conformado con un álbum potente y que rugiera con sentimiento pero frío, falto de ideas originales y de espíritu es lo que brota de cada pista. Si se toman la molestia de escuchar el último disco de D-Mente “No Es El Premio Ganar Sin Saber Lo Que Fue Perder” (2011,) “The Mediator Between Head And Hands Must Be The Heart” (2013) de SEPULTURA o mas aun el último disco de A.N.I.M.A.L., aquel lejano “Combativo” (2004) que no fuera su mejor trabajo, todos están muy por encima de este proyecto.
DE LA TIERRA es un híbrido pobre de dos bandas, una de la cual solo queda la sombra de lo que alguna vez fue y de otra que logro posicionar al metal argentino muy alto.
Andrés Gimenez dijo que aquel disco poseía momentos que te podian llevar al cielo y otros momentos al mismo infierno…..a mí no me lleva a ningun lado.
Componentes:
Andrés Giménez – Guitarra, voz
Andreas Kisser – Guitarra, voz
Alex González – Batería, voz
Sr. Flavio – Bajo, voz
Tracklist:
01. D.L.T. – Intro
02. Somos Uno
03. Rostros
04. San Asesino
05. Detonar
06. Maldita Historia
07. Fuera
08. Chaman de Manaus
09. Reducidores de Cabezas
10. Corran
11. Cosmonauta Quechua
WEB
Fuente: TM
ENERO 2014
Legion Of The Damned - "Ravenous Plague" (Thrash)
Los holandeses de Legion Of The Damned hacen Thrash desde 2005, cuando reformaron la banda Occult -que ya tenía historia desde comienzo de los noventa- y crearon esta. Con "Ravenous Plague", han lanzado seis discos, por lo que antes de ponerlo a sonar por primera vez (iba a decir 'girar por primera vez', pero pensé que ningún lector menor de veinte años me iba a entender) me imaginé que iba a encontrarme con los ingredientes usuales: explosividad, riffs duros y coros fuertes y simples. No me equivoque, este disco tiene el contenido usual de la banda, agresivo en su estado de ánimo y del alto voltaje en sus emociones.
Para casi todo fan del Thrash, Legion of the Damned es fácilmente reconocible. La banda sabe lo que hace y me place informar que con "Ravenous Plague" mantienen su esfuerzo, más o menos al nivel de su disco anterior "Descent into Chaos", en el que, sin la menor duda, continúan la senda 'vieja escuela' trazada desde el inicio de su carrera. Todo lo que tienes que saber es que esto es Thrash indudable y fuertemente influenciado por aquellos representantes de la primera línea del estilo: Sodom, Kreator, Destruction, pero posiblemente más que todo por Slayer. A veces es tan obvio, que en canciones como Morbid Death y The Apocalyptic Surge tuve que revisar si no eran covers desconocidos de aquel grupo.
Algunos elementos, mucho más sutiles, provenientes del Death, se encuentran en canciones como Doom Priest y Strike Of The Apocalyse - la mejor del disco-, que parecen dibujar una ligera influencia Morbid Angel o Cannibal Corpse. En todo caso y en general, sus canciones no se salen del esquema que el estilo germánico del Thrash tradicional tiene.
Esta sensación de riffs tan familiares de Legion Of The Damned son su mayor virtud y a la vez también son su mayor enemigo. Si... es cierto que tienen discos decentes, si... es cierto que son capaces de producir un buen headbang y si... también es cierto que "Ravenous Plague" sigue inalterable su línea de trabajo, el problema está, desde mi punto de vista, en que no es mucho lo que proponen y si al caso vamos y yo quisiera escuchar Thrash puro, cosa que -digamos- no hago demasiado regularmente, ¿para qué voy a poner un disco de ellos si puedo oír una banda 'de verdad'?... se que es una exageración y que algo puede y debe acreditárseles, especialmente su uso del Death, pero realmente no es tanto como para compensar cierta falta de identidad.
En todo caso, si se hace abstracción de las obvias influencias y se analiza este disco como un trabajo individualmente considerado, diré que el mismo tiene canciones potentes, rápidas y de razonable calidad, aunque con un nivel del producción mediocre, posiblemente causado por la plaga del 'loudness war' o 'loudness race' como le llaman otros, la cual afecta especialmente a aquellos grupos de segunda línea, firmados con sellos importantes, como es el caso de ellos con Napalm Records.
En definitiva, este es un disco de la más pura vieja escuela del Thrash, que demuestra que el espíritu del género de finales de los ochenta está vivo, pero que al final del día no sirve para mucho más que para invocar las necesarias asociaciones con algunos de los nombres más populares del estilo, con un sonido lastimosamente regular y que, tras pocas canciones, se tiene una idea inmediata de lo que se viene.
DICIEMBRE 2013
Horcas "Por tu honor"
Horcas. Formada en 1986 por el mítico guitarrista de V8; Osvaldo Civile, el cual falleció en 1999 en circunstancias aun no muy claras. No fue hasta 1990 cuando debutaron discograficamente con el álbum; Reinará la Tempestad. En 1997, para el tercer trabajo de la banda entra un nuevo vocalista, Walter Meza. Vocalista imprescindible para el camino que tomaría la banda.
Tras la muerte de Civile, la banda decide continuar y la evolución va encaminada hacia estilos mas contundentes, siempre sin dejar de ser una banda de Heavy metal. La voz de Meza encaja a la perfección en la propuesta actual. Si bien es un vocalista de la vieja escuela, mas lineal y con no demasiados recursos, lo que sabe hacer, lo borda. Aporta una garra increíble a los temas y diría que los mismos temas con otro vocalista perderían bastante.
"Por tu honor" es el noveno álbum de estudio de Horcas. Supone una confirmación de la propuesta de la banda en sus últimos trabajos. Los temas muestran una fuerte influencia de bandas como Metallica o Megadeth en su vertiente mas Thrash. Heavy, Power, Speed, todo ello muy bien mezclado y con un sonido bastante actual, sin ser excesivo, les permite sonar bastante frescos sin perder ese punto clásico.
Siguiendo prácticamente la misma linea compositiva, es la mezcla de estilos, tan bien mezclada, la que hace que cada tema luzca diferente, con la inestimable colaboración de la potente voz de Walter ejerciendo de hilo conductor.
Algunos temas destacados son; Cordero de Dios. Es uno de los temas "thrashers" del álbum. Un tema contundente.
Guerreros. Un tema con una base bastante heavy, en onda Judas Priest, que desemboca en un estribillo donde el speed/thrash van de la mano.
En Sin Salida proponen un tema algo mas lento, con un trabajo de guitarras bastante destacable.
El tema que abre el disco, En la Jaula, bebe directamente de los primeros trabajos de Metallica.
En Mil Demonios nos muestran un tema mas oscuro, con un riff a lo Black Sabbath que se mezcla con un riff mas thrash para dar paso a un estribillo puramente heavy.
Indiferencia es un tema con unas guitarras algo mas actuales aunque con claras referencias de Megadeth.
Ahora o Nunca es un tema speed, con una guitarra solista magnifica.
Un muy buen trabajo de Horcas. Un álbum sencillo pero a la vez trabajado y con temas variados dentro de una misma linea. El sonido, sobretodo de las guitarras se podría mejorar, aunque no es algo que afee excesivamente el resultado final.
NOVIEMBRE 2013
Running Wild "Resilient"
Rolf Kasparek, conocido también como Rock ‘n’ Rolf, lleva más de 30 años, ilusionando a propios y extraños, con su peculiar forma de ver el Heavy Metal. A lomos de RUNNING WILD, el incansable guitarrista teutón, vuelve año y medio después de su último trabajo discográfico “Shadowmaker”, con un disco más acorde a la temática ochentera que lo catapultó a la fama.
Esta temática pirata que parecía haber sucumbido ante los encantos del Hard Rock en “Shadowmaker”, parece relucir con mucha más fuerza y entrega en “Resilient”, un disco más acorde a su legado, que bebe de las influencias clásicas del Heavy Metal, sonando fresco, poderoso y con una contundencia que agradecerán los seguidores más clásicos de RUNNING WILD. Pero sin olvidarse de su proyecto paralelo GIANT X, con el que editó trabajo este mismo año.
Tras el anuncio de Rolf Kasparek, de dar por finalizada su carrera en 2009, muchos se temieron lo peor, echándose las manos a la cabeza. Nada dura para siempre, en efecto. Pero apesar de la jubilación prematura de la banda. Kasparek ha demostrado que aún quedaba RUNNING WILD para rato. La galera de la aventura pirata consiguió retomar su camino, y fue en 2011, cuando editaron un material en directo “The Final Jolly Roger”, grabado en Wacken en 2009, el año de su despedida. Ese lanzamiento nos hizo presagiar muchas cosas, el regreso de la calavera pirata estaba a la vuelta de la esquina.
Tras comparar ambos trabajos, y la negativa de muchos seguidores hacia “Shadowmaker” (aunque muchos ya sabían el gusto del músico alemán por el Hard Rock), era de esperar que Kasparek nos ofreciera un lavado de cara. “Resilient” tiene algunos de los mejores temas que ha escrito RUNNING WILD en estos últimos años. Aunque tampoco debemos ser exagerados, ya que los clásicos siguen estando muy por encima. Pero esto no quita, que el álbum sea un buen disco. De hecho, si uno indaga en las nuevas canciones, verá algunos parecidos razonables con “Pille of Skulls” y otros trabajos más recientes.
El lado pirata más clásico de RUNNING WILD, nos destapa una portada más acorde a su música, aunque tampoco está para tirar cohetes. Pero, personalmente me ha gustado mucho más que la de “Shadowmaker”. Con el trabajo anterior, pensé que Rolf, había perdido el gusto por las portadas coloridas, pero ahora veo que no es así. Y esta tapa le da otra energía al disco y avisa de lo que vamos a encontrar en el disco.
Con este trabajo RUNNING WILD nos ofrecen otro buen arsenal de temas clásicos, power metal rápido, temas más lentos, y algo de variedad en un LP compacto de principio a fin.
El álbum tiene un gran comienzo con “Soldiers Of Fortune” un tiempo rápido, repleto de fuerza, guitarras rudas y poderosas recordándome a la era del “Victory” y “The Brotherhood”, con partes intermedias más melódicas y un estribillo fácil de recordar, pero sin olvidarse de los solos y con esa sensación de libertad que tenían los temas de RUNNING en el pasado. La producción bastante mejor. “Resilient” es lenta y pausada; y viene con unos riffs iniciales muy marcados en una onda más Heavy Rock, o Hard Heavy, en esta canción veo a Kasparek más concentrado en la letra y la melodía vocal que en seguir la música o emocionar al oyente, como si ocurre en otras canciones.
Uno de mis temas favoritos es “Adventure Highway” con unos riffs más rockeros, haciendo hincapié en esas armonías rollizas. Es la típica canción que yo escucharía, mientras voy conduciendo a todo trapo por la autopista. En esta ocasión, Rolf suena mucho más modesto cantando, aunque sobresale con algunos altos significativos. “The Drift” y “Fireheart” son algunos de los cortes más gancheros del álbum; sonando certeros y enérgicos con riffs enrevesados repletos de infinidad de giros y un sonido al más puro estilo Rock and roll. Todo lo contrario a lo que ofrece “Desert Rose”, uno de los cortes más bonitos y placenteros del álbum con una introducción muy cuidada, llevada por una guitarra cristalina, llena de feeling y con una atmósfera muy guapa.
“Run Riot” me ha recordado a los primeros clásicos del heavy de los 80; todo un cúmulo de energía con el Hard Rock entre los dientes. El siguiente tema, “Down To The Wire” se basa en una base repetitiva de guitarra y batería con un ritmo bastante lineal; no es uno de los más atrayentes, aunque la labor de Kasparek a las voces, añade un toque rancio a la mezcla. “Crystal Gold” y “Bloody Island”, son posiblemente dos de los mejores temas del álbum; si debo elegir uno de las dos, me quedo con “Bloody Island”, una canción en la onda majestuosa de la isla del tesoro que se remonta a los días de gloria de “Pile of Skulls”. Nada más escuchar ese entrante con la guitarra acústica y los coros de fondo, se me pusieron los pelos de punta. Los diez minutos de duración, son a la par que increíbles, de gusto exquisito donde resalta la vena pirata y donde se ve una letra muy cuidada; en esta ocasión hay que destacar algunas partes de la canción donde el amigo Rolf se luce con la guitarra, como la del minuto 4.09 en adelante, y algunas más que no voy a desvelar, dejándolo como tarea pendiente para vosotros.
También se incluyen dos bonus tracks, “Payola & Shenanigans” y “Premonition”. “Resilient” pone de manifiesto el buen momento de RUNNING WILD en la actualidad. Rolf ha recargado su armería con gran cantidad de riffs y mucha tralla de la vieja escuela. Algo que los verdaderos fans de los alemanes agradecerán. Llegados a este tramo, es el momento de izar la vela y llevar este barco pirata de vuelta a los escenarios en vivo. De confirmarse, sería una gran noticia para los que hemos seguido la carrera de RUNNING WILD todos estos años.
Integrantes:
Rock ‘n’ Rolf – Voces, guitarras
Peter Jordan – Guitarras
Tracklist:
01.Soldiers of Fortune
02.Resilient
03.Adventure Highway
04.The Drift
05.Desert Rose
06.Fireheart
07.Run Riot
08.Down to the Wire
09.Crystal Gold
10.Bloody Island
WEB
OCTUBRE 2013
"The Mountain" es un disco complejo, de los que ciertamente requiere tiempo y mentalidad abierta a los experimentos. Sin referencias discernibles a las deidades tutelares del género, como Dream Theater, pero también repleto de sonidos que evocan el Prog primitivo, a lo Yes, representa una realidad sólida y sustancial para el estilo. Yo considero este trabajo el "Pandora's Piñata" de Diablo Swing Orchestra de 2012, por lo ecléctico, cambiante, impredecible y contradictorio. El álbum se esmera durante todo su recorrido en confirmar el importante nivel de creatividad y calidad de los trabajos precedentes de la banda y reafirma el compromiso de Haken de lograr un perfecto equilibrio entre los instrumentos y voces, melodías intrincadas y evoluciones de sonido; con una personalidad que mezcla la modernidad y los clásicos de culto de los años setenta, este disco no deja a nadie impávido.
Los ingleses de Haken se encuentran sobre los escenarios del Metal/Rock Progresivo y los dominios de sus alrededores, desde el año 2007, presentando apenas su primer trabajo musical, "Acuario", en 2010, convirtiéndose este en el primero de los tres discos que han publicado hasta ahora, con "Visions" en 2011 y "The Mountain" en 2013. En su -relativamente- corta carrera han tenido fuerte exposición a la gente gracias a su trabajo, el cual ha sido siempre muy bien recibido, lo que les ha ganado un respeto y credibilidad importante, tanto por su nivel de calidad, como experticia en el manejo del género, dejando -al menos para mi- de ser considerados promesas, para convertirse en realidad palpable.
Este disco lleva al oidor a través de atmósferas líricas y evocadoras, diseñadas sobre voces y teclados, para hacer caer repentinamente en un vórtice Progresivo puro, con matices inquietantes, a veces extraños y otras armónicos, sin duda con rastros Avant-Garde, Jazz y Fusion. Canciones llenas de riffs intensos, largos y a veces, psicodélicos, que recuerdan bandas como Emerson, Lake & Palmer, se permiten digresiones de piano, bajo y batería, así como solos de guitarra complicados, altamente influenciados por elementos Acid Jazz.
Partes que discurren A capella y luego brincan en las profundidades de un Prog tormentoso, debido a sus cambios de atmósfera y el ritmo, dan a las pieza un toque de novedad que, repito, va a llevar algunos repasos para disfrutar a plenitud. La complejidad que se consigue entre pasajes instrumentales melódicos y asaltos sónicos rompen varios de los estándares actuales, enrarecen el trabajo, lo subliman y sumergen al oyente en lugares nuevos. No dejen de disfrutar el suave sonido de la guitarra acústica mezclada con la atmósfera tensa, la cual se eleva en melodías no siempre fáciles, pero de mucha destreza.
Aún a pesar de lo que he señalado, "The Mountain" tiene también su espacio para que el oyente menos intenso lo disfrute, ya que hay algunas canciones, como Because It's Here y As Death Embraces que muestran el lado amable de su Prog. Por ello, vuelvo a sugerir, si se decide entrarle a los setenta minutos de duración de este disco, hágase con mentalidad abierta: se descubrirán coros dulces, puentes complejos y multisónicos, efectos de voz y teclado, largos pasajes de diseño virtuoso y en general, todos los elementos -y más- que necesita un buen disco de Progresivo, con buen gusto, excelente producción y mejor songwritting.
"The Mountain" ha resultado ser uno de los álbumes más interesantes que he escuchado en 2013. Está bien pensado y el orden de sus pistas realmente es excelente, hay canciones más duras y en los momentos adecuados se torna lento y melódico. La voz de Ross Jennings es de primer orden y en general todos sus seis componente demuestran pura habilidad y buen gusto. Este disco estará entre los diez primeros del año, pero requiere paciencia y gusto por lo exótico.
SEPTIEMBRE 2013
Artista: WITHERSCAPE
Álbum: THE INHERITANCE
Estilo: Atmospheric Progresive Death
Sello: Century Media
El polifacético Dan Swano, músico sueco de la escena internacional Underground, conocido por haber participado en infinidad de bandas (EDGE OF SANITY, BLOOD BATH, STEEL o DIABOLICAL MASQUERADE, entre muchos otros) y por encabezar multitud de proyectos como NIGHTINGALE, DEMIURG, ODYSSEY, STAR ONE, vuelve ahora con su nuevo divertimento de nombre WITHERSCAPE, acompañado de Ragnar Widerberg.
Todo lo que este señor toca, se convierte en oro, así ocurre con su nueva propuesta; que bebe de los sonidos progresivos y del death metal. Pero no todo es metal abrasivo, o ruido sin sentido como muchos podrían llegar a pensar, la genialidad de este músico da para mucho y en WITHERSCAPE nos demuestra como unir riffs brutales e imposibles con giros enrevesados y melodías acústicas, creando ambientes estremecedores, líneas donde se entremezcla el Progresivo de la última década con sonidos atrevidos donde degustaremos cierto sabor a ese metal tradicional, pero con una base instrumental que dejará a más de uno sin habla.
Algo así se puede ver en (uno de los mejores cortes del álbum) “Dying for the sun”, y esa entrada de guitarra acústica con el bajo golpeando levemente y las teclas balbuceando en un fondo sustancioso de diferente arraigo metalero repleto de infinidad de sonoridades, acopladas a un riff cortante, constante acoyuntado por toques psicodélicos, redobles de batería machacones, y una subida de intensidad donde se llegan a apreciar géneros como el Death Metal, el Stoner/Doom o el Progresivo, en recuerdo de bandas como OPETH, ese sonido carroñero del inicio es más propio del rollo americano en ocasiones recordando al Country; y el final se parece más a DREAM THEATER; sobre todo la parte guitarra/teclado solista que finaliza la canción en seco (demostrando un mano a mano entre Ragnar y Swano de verdadero alucine) llevándonos al siguiente corte, “To the Calling of Blood and Dreams”, fuerza al arrastre, desdibujando la frialdad de la portada, en recuerdo y homenaje a los cover de KING DIAMOND, oscuridad y frialdad, tal cual refleja la melodía, quedando relanzada a través de las distintas cenefas guitarreras, pausadas, electrocutadas de cambios, llevando el tono por un sendero ensoñador con un estribillo sedante y una estética la mar de atractiva, por no decir épica.
Como si de una historia de terror se tratase, el fondo nublado y las alimañas de la noche, nos dan la bienvenida a través de “Mother of The Soul” cargado de fuerza y rabia, condicionada por la voz, que poco a poco le va ganando la partida a la canción, transformándola en un tema más endeble y fácil de discernir, alejando los horrores y arrastrando el toque progresivo, atrayéndolo hacia ese concepto fantasmal e hipnótico de los primeros OPETH con un aire transalpino, más propio de las bandas Stoner, con cierto resquemor polvoriento.
El álbum sigue su curso, envolviendo cada metáfora y cada melodía al nivel que precisa la inteligencia de Dan Swano; que como demuestra una vez más, no tiene límites. “The Inheritance” alberga una musicalidad difícil de describir, que necesita de varias escuchas para apreciar el asombroso estigma que contiene; desde los cambios de intensidad o los pronunciados giros vocales en “Astrid Falls” tema candente con infinidad de puntadas (que son como pequeñas estrellas alumbrando una noche oscura); se nos viene uno de los temas más impresionantes, emotivos y espectaculares del álbum; igualmente destacable es “Dead for a Day” que me ha recordado a los americanos TYPE O NEGATIVE.
El rollo hipnótico de “Crawling from Validity”, sorprende por su inicio calmado y de repente golpea con fuerza y unos guturales de escándalo. Nuevamente el recuerdo de OPETH vuelve a estar presente; Dan Swano se deja la piel en cada tono; con un sentimiento parpadeante y una crudeza de los mil demonios; la ambición progresiva vuelve a eyacular diferentes persianas de ambición en apenas 4 minutos que dan para mucho; “The Wedlock Observation” repite esquemas conectando muy bien con las partes lentas y los diferentes giros resplandecientes; “The Inheritance” nos conduce al final con una melodía de piano espeluznante, regresiva, una reminiscencia que podría servir para bandas sonoras de terror, tipo Silent Hill.
Además de suponer una excursión fantástica para el oyente, WITHERSCAPE es una obra mayúscula, con un fondo sin igual. Un álbum (así) que reúne a diferentes ramas y estilos del metal actual, debería estar en la estantería de cualquier metalhead que se precie. Sobre todo sabiendo quien compone el grupo y a lo que acostumbra normalmente. Dan Swano y sus proyectos siempre han dado en la diana, y este no iba a ser menos.
Para que os hagáis una idea. Aquí podréis encontrar algo de Country, Jazz, Rock, Metal Progresivo y una base contundente de Death Metal, casi todo se ha incorporado al álbum de forma fidedigna y todos los elementos están tan bien construidos y formados, que resulta impensable que estilos tan contrarios entre sí, protagonicen momentos estelares como ocurre en la mayoría de los casos. WITHERSCAPE ha creado un álbum que seguramente no es tan bueno como parece, pero seguirá teniendo un impacto sobresaliente en el campo del metal progresivo.
Componentes:
Ragnar Widerberg – Guitarras, bajo
Dan Swanö – Voces, teclados y batería
Tracklist:
01. Mother of the Soul
02. Astrid Falls
03. Dead for a Day
04. Dying for the Sun
05. To the Calling of Blood and Dreams
06. The Math of the Myth
07. Crawling from Validity
08. The Wedlock Observation
09. The Inheritance
WEB
AGOSTO 2013
Enshine - "Origin" (Atmospheric Melodic Black)
Enshine es un proyecto iniciado en solitario, creado por el guitarrista sueco Jari Lindholm, ampliamente conocido por su participación en las bandas Slumber y Atoma, de las cuales se separa para formar este proyecto, al que se le une el descomunal vocalista francés Sébastien Pierre (Fractal Gates, Inborn Suffering); a ellos los acompaña, al menos a nivel de sesión, el baterista Oscar Borgenstam, el bajista Siavosh Bigonah y el coro y voz femenina -que se escucha a veces-, por Sandy Mahrer.
Voy a suscribir lo que muchos ya han comentado en la red: Este ha sido un año donde, con excepciones que no superan los dedos de una mano, el Black Sinfónico Atmosférico, ha sido el género que más y mejor ha dado la talla, presentando los mejores y más atrayentes trabajos. Junto con Progrenie Terrestre Pura, Caladan Brood, Appalachian Winter y Summoning, este disco, de fuerte influencias tomadas de grupos como Omnium Gatherum y Nightrage, despliega un excelente gusto y melodía impresionante, presentando una de las mejor guitarras que había escuchado en largo tiempo. Impresionante sin duda y el mejor de sus elementos.
"Origin" de Enshine es un álbum de excelente atmósfera, melódica y progresiva. Ciertamente hay una buena cantidad de Death Melódico y partes tomadas del Doom. La banda no se limita a sí misma y se permite voces limpias junto con un gran growl, las que unidas a intensas partes instrumentales, que afortunadamente no van demasiado en dirección del Post, salva una mitad de año (o un poco más) de una limitada cantidad de discos que pueden ser realmente catalogados como excelentes.
El que se sienta atraído por "Enshine" será porque le guste su atmósfera, caracterizado por una progresiva consistencia en su crudeza, evolucionando a lo largo del disco para dar paso a un sonido cuyas características fundamentales son la presencia de ambientes fríos y etéreos e intensos pasajes de guitarra. Su ritmo y crudeza invocan paisajes intensos y oscuros. La banda, además del excelente trabajo de guitarra, utiliza unos muy buenos teclados, que vale la pena oír detenidamente.
Canciones como Stream of Light, Constellation, Refraction, Nigthwave y Ambivalence son piezas todas impactantes, con largos momentos que no podrán pasar desapercibidos, pero la mejor del disco es, sin duda, Above Us, la que estimo como una de las mejores del año.
La principal crítica al disco puede ser que carezca cierta variedad entre sus canciones, excepto los interludios instrumentales y aunque el álbum es verdaderamente completo, lleno de melodías y atmósfera preciosista, con una gran voz, debo reconocer el hecho de que hasta ciertas partes sonaban similar de canción a canción.
Este es un disco coherente, bien escrito, intenso, melódico y con gran sentido de plenitud. Tiene todos o casi todos los elementos que distinguen a una banda que se encuentra por encima del promedio y se percibe como el preludio de aquellas que sólo pueden traer cosas de igual o mejor calibre en el futuro. Si este año decides escuchar sólo cinco discos de Metal, este debe ser uno de ellos.
JULIO 2013
Deafheaven - Sunbather (Blackgaze/Avant-Garde)
Ha habido cierta controversia en la comunidad metalera acerca de como denominar la música que hacen los novísimos americanos de Deafheaven en su primer disco, "Sunbather". Lo que si es seguro es que pertenecen a un grupo de artistas recientes que combinan los géneros de Metal extremo, sobre todo Black con otros estilos menores, como Post, Avant, Modern y Melodic.
Sunbather utiliza la textura del Black, sobre todo en los blastbeats y riffs trémolos, pero hasta ahí es donde llegan las similitudes. Ellos expresan la voz estilo scream, ahogadas en una espesa atmósfera Post, con 'builds' lentos (me perdonan el anglicismo, pero no se como decir 'in crescendo' en castellano).
Lo que no puedo dejar de percibir es que, de hecho, es el primer disco de esta gente y están generando una impresión fuera de lo común desde cualquier perspectiva en este mundillo. Yo en lo particular, estoy absolutamente impactado con algunas de sus canciones, como por ejemplo Dream House y Sunbather, las cuales están en mi lista de mejores del año... son brutales, histéricas, melódicas, dulces, criminales, orgásmicas... casi cualquier epíteto les cabe y sin embargo contrastan con otras, como Windows por ejemplo, la que me molesta un poco y genera un anticlimax grosero... quizás perfecto para un disco Ultra Avant-Garde.
Personalmente me gustó mucho este álbum. Contiene y seguro oirán versiones intensas, hasta a lo melódico de U2 y lo histérico de Cannibal Corpse... por disímil que parezca; grandes voces, scream de primera categoría, melodías memorables y un estado de ánimo y atmósfera de impacto. Pero a pesar de ser duro y extremo, suena extrañamente dulce, hermoso e inspirador, como si elevaran ideas... como si tuvieran de verdad algo que decir, aunque algunos elementos Avant Garde, en pedazos de algunas canciones, hagan la escucha -digamos- cruda.
Toda una contradicción ocurre durante el disfrute de "Sunbather". Luego de su fondo profundamente Black y la conjugación de sus partes megamelódicas, sus teclados y sus elementos 'a lo capítulo final de la serie de HBO, Six Feet Under' (para el que tenga edad y gusto para entenderme), un coñazo ultra oscuro, criminal en su concepto... pero dulce en su ejecución, no me produjo sino la obligación de detenerlo a la mitad... era totalmente difícil en su sentido y a la vez tan coherente que me generó un fuerte impacto. Su reinicio luego me cautivó... un par o tres veces.
Sin embargo, ejercicios de resistencia posteriores ;-) me iluminaron, me abrieron a un nivel de aceptación superior del álbum en canciones como Vertigo la cual es más que intensa y compleja, con capas de batería, guitarras, melodías y conceptos que requieren que el oidor se despoje de preconceptos y acepte que este estilo no tiene parangón. Puede que haya quien, con mucho sentido, asimile este trabajo con la rareza musical de Diablo Swing Orchestra, quienes en su momento con "Pandora's Piñata" crearon uno de los discos más espectaculares del Metal en 2012.
Lo que es indudable es que este año han aparecido y me gustan un montón de discos duros; la camada ha sido buena y todavía queda la mitad de 2013 para maravillarse. En todo caso este territorio, llamado por los verdaderos conocedores como Blackgaze, está claro que con sus arpegios dulces puede generar toda una corriente nueva... no es de sorprender que vengan de San Francisco, California, donde lo nuevo es fruto natural de la zona. Alternancia de sonidos suaves, interludios Folk y tormentas Black con explosiones de furia aquí y allá, unidas a voces extremas, tambores y guitarras medio locas, medio dulces, totalmente virtuosas, hacen de este disco una joya, un baño de luz del Sol.
La portada es horrible, pero puede que sea parte del concepto.
WEB
JUNIO 2013
Shade Empire - "Omega Arcane" (Symphonic Black)
En 2006 oí a un grupo finlandés desconocido para mí hasta el momento, de corte Darkwave, llamado Shade Empire, cuyo álbum, "Intoxicated O.S.", me pareció que prometía mucho. Desde entonces y sin embargo, les había perdido la pista, a pesar de que en 2008 presentaron un disco llamado "Zero Nexus", del cual no me enteré hasta ahora y que todavía tendré que escuchar. Aún así estoy seguro de que ese disco no cambiará mucho mi percepción sobre este nuevo trabajo, "Omega Arcane", el cual es de altos kilates. Shade Empire trae con "OA" una presentación épica y apocalíptica de setenta y cuatro minutos, con una combinación de orquestaciones hollywoodenses, al estilo de Dimmu Borgir, y una mezcla oscura, imbuida también en el espíritu de grupos como Septicflesh.
Con pistas de longitud media de casi siete minutos es claro desde el principio que en "Omega Arcane" se escucharán muchos y largos pasajes instrumentales. Si tomamos por ejemplo las canciones Ruins, de ocho minutos, Disembodiment, de trece, así como el grandioso final instrumental de doce minutos, Omega Arcane, veremos que la relación de instrumentación/voces se inclina fuertemente a favor de la primera característica, lo que le da una sensación muy interesante al discurrir del disco. En esto, sin embargo, no se causa daño ninguno, porque la música es tan fascinante en sí misma que las voces sólo pueden ser una ventaja para ella.
Orquestación apocalíptica, sección rítmica poderosa, blast beats frecuentes y aplastantes riffs pesados hacen percibir en "Omega Arcane" algo mucho más interesante que un simple álbum de metal. Hazte un favor y escuchalo, sobre todo si te gusta el metal extremo, con grandilocuencia y en un ambiente oscuro. Se nota que el tiempo que Shade Empire estuvo madurando y preparando este trabajo los ha convertido en un grupo que dejó de ser clandestino para convertirse en un referente importante, a nivel de bandas como Chaosweaver, los nombrados Dimmu Borgir y Septicflesh y también Fleshgod Apocalypse, en el que la gran épica, atmósfera e instrumentación potente consigue que, a pesar de su longitud, el álbum nunca sea aburrido, ni se le perciba material de relleno. Quizás pudo faltarle sólo una pizca de teatralidad y de Avant-Garde para que el álbum fuera completamente perfecto.
En interesante como, una y otra vez, las mejores cosas son las que no se esperan o aquellas sobre las que no se han tenido tiempo de hacerse preconceptos, en especial cuando, al conocer el estilo de este disco pude haberlo desdeñado de entrada, teniendo sobre todo en cuenta que algunos de los más espectaculares trabajos del género son discos recientes: "The Great Mass" de Septic Flesh y "Agony" de Fleshgod Apocalypse, quienes se han establecido como una de las luces principales del Black. Aún así, mi reacción inicial no fue de resistencia, ni pensando que otro imitador había llegado a mis manos. Al contrario inmediatamente logre percibir a este disco como un trabajo profundo y satisfactorio, en el que el vocalista Juha Harju hace un gran trabajo, recordándome a veces a la banda Hate (quienes por cierto tienen un nuevo trabajo llamado "Solarflesh"). Las guitarras de Shade Empire hacen una gran mezcla de riffs agitados, sólidos y trémolos, recogiendo también influencias de bandas como Necrophobic; luego la orquestación debe gustarle a quien ha oído a gente como Ex Deo. El disco definitivamente hace un gran trabajo al transmitir la atmósfera a veces épica, a veces dura.
Gran álbum donde la agresión, fuerza y musicalidad tienen un excelente definición. Es además interesante en su temática, más bien oscura, siempre sobre la humanidad y el mundo. En comparación con el material viejo que he logrado oír de Shade Empire, estoy seguro que han dado un gran paso, a una etapa más madura. Todo parece estar justo donde debe y en muy buen equilibrio.
Integrantes:
Harju Vocals
Sirkkiä Guitars
Savolainen Synths
Mantere Bass
Rasane Drums
MAYO 2013
Persefone - Spiritual Migration
Artista: PERSEFONE
Álbum: SPIRITUAL MIGRATION
Estilo: Progressive Death Metal
Sello: ViciSolum Productions
Los andorranos PERSEFONE son un claro ejemplo de lucha, dedicación y determinación, hablamos de intentar triunfar con una propuesta de Metal Progresivo en un país de “tanta” tradición metálica como Andorra, ahí es nada.
PERSEFONE no son originarios totalmente de Andorra, si no que tienen doble nacionalidad y también pertenecen a otro maravilloso país, bueno a otra galaxia paralela diría yo llamada “Progressiveland”. Un lugar mágico, habitado por unos pocos escogidos visionarios inconformistas decididos a llevar la música a unos extremos de complejidad y sutileza inalcanzables para la mayoría de los “mediocres” mortales. RUSH, DEATH, OPETH, DREAM THEATER, PAGAN’S MIND, DEVIN TOWNSEND o THE FACELESS, son algunos de los habitantes de ese fructífero microcosmos del cual PERSEFONE han pasado a formar parte por méritos propios.
Después de sorprender a propios y extraños con su anterior “Shin-Ken”, PERSEFONE vuelven a la carga con otro discazo de exquisito Metal Progresivo con algunas influencias de Modern Metal (del bueno), véase bandas como Soilwork o Scar Symmetry, que se hacen evidentes sobretodo en los juegos entre voces limpias y guturales, y alguna que otra reminiscencia a sus compañeros de generación THE FACELESS, estos últimos en una onda más orientada hacia el Technical Death Metal Progresivo. Pero no adelantemos acontecimientos, vamos sin prisas que el disco de hoy bien lo merece.
“Spiritual Migration” es un claro intento de llegar a lo más profundo del alma a través de la música, un ejercicio musical de setenta minutos de duración que invita a la reflexión y a la meditación en algunos cortes…pero también a partirse las cervicales en otros. Aun así la vertiente que domina es la primera, clara muestra de ello es que de los trece temas seis son instrumentales. Dichos cortes van apareciendo de forma intercalada a lo largo del disco para ayudar a mantener una atmósfera mística donde la belleza musical fluye con total naturalidad.
A destacar sin duda por encima de las demás las dos partes de “Consciousness” (Sitting in Silence) y (A Path to Enlightenment), una auténtica exhibición de técnica impoluta ejecutada con brillante maestría y tremenda sensibilidad. El aroma a DREAM THEATER es más que evidente, pero es que la maquinaria progresiva, lejos de estancarse, sigue su evolución natural, y si DREAM THEATER se erigieron como la versión más Heavy de los maestros canadienses RUSH, ahora le toca a PERSEFONE dar el siguiente paso evolutivo pasando a ser la versión Death de los de Nueva York.
No menos impresionantes son “Zazen Meditation” y “Metta Meditation”, ambas de una hermosura que sonroja, dejando un poco de lado el virtuosismo instrumental y centrándose en algo tan difícil como es transmitir emociones a través de la música. Pocas bandas encuentra uno en la escena actual que sean capaces de llegar tan profundo, y es que los metalheads, por mucha dureza que queramos aparentar, también tenemos nuestro corazoncito y PERSEFONE tiene el distinguido arte de llegar hasta a él, y no para herirlo si no para acariciarlo y hacerlo vibrar.
Vamos ahora a por la parte más “dura” del disco, y en ella yo destacaría sobretodo tres cortes (aunque todos son fantásticos), serían “The Great Reality”, “The Majestic of Gaia” y “Spiritual Migration”. La primera muestra la versión más burra de los andorranos, con mucha intensidad en la base rítmica y con Marc Martins berreando como si le fuera la vida en ello, a partir del minuto 3:35 a uno se le caen los pantalones al suelo, menuda gozada, ojito a Marc Mas en la batería, el bajón de revoluciones, las guitarras melódicas y el posterior subidón donde teclados y guitarras comparten el protagonismo. Evidentemente si nos ponemos a hablar del nivel instrumental de la banda uno solo puede quitarse el sombrero, no hay más. Y por si no has quedado convencido dale un tiento a “The Majestic of Gaia”, otra pasada de tema de casi nueve minutos de duración, minuto 3:27 ataque neoclásico y lo que sigue, pajarillos silbando, la voz melódica del teclista Miguel Espinosa, pelos como escarpias, ahí os lo dejo, supongo que si aun tenías alguna duda se te ha disipado de un plumazo.
“Spiritual Migration” anda por los mismos derroteros, un inicio sublime con esos sincopados abrazados por los sinfónicos teclados de Espinosa, seguimos adelante y pronto aparecen las voces limpias del mismo Espinosa que en este tema está sembrado, llegando a su máxima esplendor en el estribillo. Puede que a nivel vocal este sea el corte más trabajado (más aun si cabe) del disco, la contraposición entre guturales y limpias llega a una simbiosis y equilibrio total. Y si todavía no has logrado levitar no sufras, los etéreos teclados que aparecen a partir del minuto 4:00 lo van a conseguir, menuda maravilla.
Y aquí acaba la historia, con la relajante “Outro” que nos brinda las condiciones adecuadas para reflexionar sobre lo que ha sido este espectáculo sonoro de setenta minutos de duración. ¿Te ha gustado? Con que te haya cundido la mitad que a mí ya tienes suficiente. Nueva joyita para enmarcar, pieza imprescindible para todo el que disfrute del Death Metal Progresivo de impecable factura y embelesadora sensibilidad. Un disco llamado a marcar a toda una generación dentro del género, y la confirmación definitiva de PERSEFONE entre los grandes.
Integrantes:
Toni Mestre – Bajo
Jordi Gorgues – Guitarras
Carlos Lozano – Guitarras
Miguel Espinosa – Teclados, voces
Marc Martins – Voces
Marc Mas – Batería
Tracklist:
01.Flying Sea Dragons
02.Mind as Universe
03.The Great Reality
04.Zazen Meditation
05.The Majestic of Gaia
06.Consciouness Pt.1 : Sitting in Silence
07.Consciouness Pt. 2 : A Path to Enlightenment
08.Inner Fullness
09.Metta Meditation
10.Upward Explosion
11.Spiritual Migration
12.Returning to the Source
13.Outro
BANDCAMP
ABRIL 2013
In Vain - Aenigma
Elegir precisamente a In Vain no ha sido casualidad. Los noruegos llevan pisando fuerte desde que irrumpieran de forma abrupta con su debut "The Latter Rain" en 2007. Un maravilloso ejercicio de Metal extremo con toques muy progresivos y sinfónicos, sabiendo equilibrar bien la balanza entre el Death y el Black que llevan mamando desde jovenes por sus tierras escandinavas. Pero tres años después sacaron su segundo álbum, "Mantra", y dieron un cambio curioso.
Las revoluciones bajaron bastante, sin llegar a prescindir de la potencia y la fuerza bruta, y el componente Progresivo de su música se hizo la nota dominante compatibilizándola con su faceta extrema y dando entrada al Folk norteamericano. Este disco trastocó a más de uno, sobre todos a los defensores del True Black Metal (escena de la que In Vain han recibido mucha influencia) que lo vieron falto de garra y poco efectivo.
Pero una vez visto con perspectiva hemos comprobado que "Mantra" encerraba mucho más de lo que se podía ver a simple vista de ese bajón en la fuerza, colocándose sin problemas a la altura de su sorprendente debut. Tres años después, a In Vain le ha llegado la hora de la revalida con el lanzamiento de su tercer álbum, "Ænigma". El hecho de contar en la producción con una de las bandas más punteras y vanguardistas del Metal escandinavo como son Solefald nos hacía pensar que nos íbamos a encontrar con un álbum más alocado y experimental.
Sin embargo, no ha llegado la sangre al río. En su lugar, no se han ‘toolizado’, pero si han continuado con la senda de americanización que ya practicaran en "Mantra" y que se podía destilar escuchando ‘Against The Grain‘, el primer adelanto del álbum. Se denota que los noruegos tienen las ideas muy claras sobre como quieren enfocar su evolución, y la verdad es que el resultado les está siendo más que satisfactorio. Por supuesto, los que se quedaron fríos con el extraordinario despliegue de Mantra no se mostrarán muy entusiasmados viendo lo que llevo escrito hasta ahora, pero creo que dejar escapar un disco tan soberbio como este es un error garrafal.
Una de las mejores noticias que se encuentran en este "Ænigma" es la recuperación para la causa de ese martillo neumático que tienen por batería y se llama Stig Reinhardtsen. No es que desapareciera en "Mantra", pero si es cierto que su mortífero doble bombo lleno de cráneos destrozados que tan bien lució en The Latter Rain acabó en un discreto segundo plano, lo que fue una pena porque esa batería le da una consistencia y fuerza únicas a un sección rítmica ya de por sí prodigiosa. Y en este álbum vuelve a golpear con tanta fuerza para ser el armazón de los temas sobre los que sus compañeros despliegan su magia en la construcción y en el desarrollo de estos.
Cierto es que la sección rítmica es una auténtica maravilla, pasando sin problema entre ramas tan parecidas pero diferentes como el Death Metal y el Black Metal, pero dando una mayor importancia al desarrollo de las estructuras y a la creación de atmósferas sinfónicas, deliciosas y épicas, pero hay dar un aplauso a la labor de Andreas Frigstad como vocalista porque es de esos cantantes que no tienen problema a la hora de compatibilizar las voces más gritonas y guturales con unas voces limpias rotundas y contundentes. Hace los cambios con una naturalidad pasmosa, al igual que el resto de sus compañeros, y sin que la voz le tiemble ni por un segundo.
Los noruegos han demostrado un gran dominio en compatibilizar las ramas de las que se compone su música y todo ello con un resultado impecable y extraordinario. Llevan ya diez años en activo, pero tocan con una madurez como si llevaran haciéndolo durante el doble de tiempo. Su debut ya contaba con una madurez sorprendente para unos novatos, pero sumando la evolución seguida en su segundo álbum en tan poco tiempo nos deja aun más impresionados.
En "Ænigma2 el grupo ha llegado al ansiado momento de la consolidación de su estilo con un conjunto sólido y más que notable. Y en ningún momento se me ha pasado por la mente la sombra de sus anteriores trabajos, lo que justifica que este trabajo se defienda por sí solo. Mención especial para ‘Floating on the Murmuring Tide‘, con el maravilloso añadido jazzístico en los pasajes más calmados que le da una clase y sofisticación únicas aun teniendo momentos muy brutos, mostrándose como uno de los cortes más soberbios del disco. Creo que los aficionados del Death Prog (o del Metal Progresivo en general) podemos dormir tranquilos con el futuro del género mientras sigamos contando con bandas tan magníficas como In Vain.
Lista de temas:
1.- Against The Grain
2.- Image Of Time
3.- Southern Shores
4.- Hymne Til havet
5.- Culmination Of The Enigma
6.- Times Of Yore
7.- Rise Against (Bonus Track)
8.- To The Core
9.- Floating On The Murmuring Tide
Miembros:
Johnar Haaland: Guitarra y Voz (de fondo)
Sindre Nedland: Órgano, Piano y Voz limpia adicional
Andreas Frigstad: Voz
Stig Reinhardtsen: Batería
Kjetil D. Pedersen: Guitarra y Voz (de fondo)
K. Wikstol: Bajo y Voz agresiva
MARZO 2013
Riverside "Shrine Of New Generation Slaves"
Con un disco más suave, sin mostrar unos pasajes tan metaleros como en anteriores trabajos, quizás debido a cierta influencia del proyecto en solitario de Duda (“Lunatic Soul”). Es un disco muy intimista y calmado en muchas partes, sin composiciones que sean demasiado complejas, lo cual muestra una accesibilidad al disco que no han tenido otros trabajos anteriores de RIVERSIDE.
El disco comienza con el tema “New Generation Slaves” en el que prácticamente la mitad del tema puede considerarse como presentación hasta que el tema arranca con más ritmo, se puede destacar la gran línea de bajo que cuenta el tema y lo pegadizo que es el estribillo desde el primer momento; finalmente el tema volverá a mostrar un cambio de ritmo para acabar como empezó.
Le sigue el tema “The Depth Of Self-Delusion”, con un inicio marcado por el bajo de Duda, y en el que él mismo muestra un registro vocal muy melódico y suave que nos introduce más y más en un tema tan bueno como es este. Presenta una pequeño parada a la mitad del tema que es levantado con una aportación a la guitarra de Piotr realmente increíble para volver a afrontar el estribillo de la canción. El tema se acabará suavizando para terminar con unos suaves punteos de guitarra.
Llega “Celebrity Touch”, el tema que fue elegido como single, arranca con mucha fuerza y con una gran presencia del teclado de Lapaj. Presenta, también, un genial cambio de ritmo hacia la mitad de la canción, suavizando la canción y con una batería que nos marca en todo momento el ritmo que seguir, para como no podía ser de otro, modo volver a repuntar con la potencia inicial. Un tema con muchos matices que no surgen a primera escucha y que, para hacerse con todos es necesario volver a escucharlo prestando gran atención a cada instrumento. Muy bueno es, como la canción, el videoclip del tema.
Con una entrada en la que los protagonistas son la voz de Duda y el teclado nos llega “We Got Used To Us”. Otro medio tiempo calmado y suave en el que Duda no para de mostrar el gran registro vocal con el que cuenta. Con temas así, dan ganas de cerrar los ojos y disfrutar del viaje que nos aporta. Unos ritmos muy marcados por el bajo y la batería con la guitarra aportando continuamente matices y buenos rasgueos. La aportación del piano en este tema es fundamental creando una atmósfera increíble.
“Feel Like Falling” es el siguiente tema en aparecer, vuelve a ser otro tema muy intimista y suave que vuelve a inducir a un viaje cargado de sensaciones. Se vuelve a dar una gran aportación al teclado de Lapaj; la voz de Duda vuelve a ser mágica y hacen de este tema algo realmente maravilloso de principio a fin. Los ritmos marcados tanto por el bajo como por la batería son algo increíble, algo que, sinceramente merece la pena varias escuchas para darnos cuenta de con qué clase de CD estamos tratando. A la mitad del tema sonará una guitarra con gran distorsión de fondo y una soberbia línea de bajo, acompasada por un suave ritmo de la batería.
Otro tema que arranca con potencia (potencia en relación a la temática que lleva este CD) es “Deprived”. El teclado y la batería nos marcarán el inicio hasta que hace entrada la voz de Duda. Hacia la mitad llega un gran solo de Piotr a la guitarra, que acabará con un gran parón en el que quedan solos teclado y la voz de Duda, para acto seguido volver a los ritmos originales.
El único tema con una duración por encima de los 10 minutos es el siguiente: “Escalator Shrine”, el cual cuenta exactamente con 12 minutos y 41 segundos, despuntando claramente en el resto de las canciones que apenas superan los 6-7 minutos de duración. Con un inicio suavemente marcado por el bajo y el teclado nos llega este tema, otra auténtica maravilla de los polacos, rápidamente llegará un solo de guitarra que se desaparecerá tan rápido como apareció. Todos los instrumentos vuelven a regir en armonía en un tema que es redondo. Hacia la mitad del tema nos llega un pequeño periodo instrumental, en donde cada instrumento tiene su momento para “lucirse”. Acabará desembocando en un pasaje sumamente suave y lento marcado por un punteo de guitarra que, a su vez, nos introducirá en otro pasaje donde vuelve a entrar escena la voz de Duda.
El último corte de esta gran CD lo marca “Coda”, un tema que no llega a los 2 minutos, marcado con un suave punteo de guitarra y la voz de Duda, que sirve como genial cierre del disco.
Un disco que, como ya he mencionado es genial de principio a fin y que, a pesar de ser el más accesible de la banda, no deja de estar lleno de matices que requieren varias escuchas para poder apreciarlo del todo.
Integrantes:
Mariusz Duda – Vocalista, bajo
Piotr Grudziński – Guitarra
Piotr Kozieradzki – Batería
Michał Łapaj – Teclados, coros
Tracklist:
01. New Generation Slaves
02. The Depth Of Self-Delusion
03. Celebrity Touch
04. We Got Used To Us
05. Feel Like Falling
06. Deprived
07. Escalator Shrine
08. Coda
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